Watchmen

La adaptacion del comic watchmen me parece un interesante reflejo del trabajo de un director, en este caso Zack Zynder, como artifice de un proyecto, cuya formula ya le habia funcionado en 300, pero que habia sido, como Watchmen, una consecuencia de la vision con la que Robert Rodriguez adapto Sin City: copiar las viñetas del comic y enlazar las secuencias.

Pero a diferencia de Sin City que es un comic reflejo del cine negro, con elementos narrativos y visuales del mismo, Watchmen es muchas cosas a la vez, es una obra pensada para un medio especifico, el comic.

Watchmen (el comic) utiliza el tiempo de lectura a su favor, el poder pasar la paginas hacia adelante y hacia atras, la limitacion de las viñetas, el poder poner detalles multiples en una imagen, la separacion en 12 episodios, Watchmen (la pelicula) se hace cansina en su intento de narrar toda esta historia de multiple detalles y en su intento de calcarla consigue trasladar a la pantalla un ritmo que no es propio del cine, la narrativa compleja falla en un medio donde el hilo argumental debe llevar al desenlace, siendo watchmen es una historia con multiples historias que se inician, se enlazan y ocurren simultaneamente sin tener que ver una con la otra, la pelicula es la confirmacion de que el desafio no era en verdad un desafio sino una verdad irrefutable: Watchmen no se puede adapatar ni al cine, ni a la literatura, es una obra definida por un medio.

¿Por que entonces era necesario esta adaptacion?, no lo era, sin duda Watchmen es la cacheta mas sonora a la tendencia de adaptar comics al cine, el comic pensado para desafiar todo lo hecho en comics como forma de narrativa, es inadaptable.

The host

Lo interesante de Bong Joon-Ho, como muchos de los cineastas modernos esta en el alcance de sus influencias y en un estilo de hacer un collage de su cine, pero adoptando una mirada personal y en este caso bastante atractiva.

Bong Joon-Ho, diria yo, es el que mejor representa esa peculiaridad que el cine asiatico a logrado alcanzar, la de ser comercial y original al mismo tiempo, aceptando el cine de genero como una posibilidad para trasnmitir la cultura y el modo de vida de su pais, es casi como si se hubieran hecho la pregunta: ¿Que pasaria si los de la nave Nostromo fueramos coreanos, que clase de pelicula seria?

Pero el fenomeno no se detiene alli, aqui en el Peru recientemente tenemos la oportunidad de tener este film en cartelera, dos años despues de su estreno y resulta una experiencia energizante poderlo ver en pantalla gigante y tener la emocion de estar rodeado de las reacciones de muchos otros espectadores, lo que me hace notar el verdadero sentido del cine de Bong Joon-Ho.

La idiosincracia coreana funciona perfectamente en nuestro pais, lo que hace que el publico llegue a compenetrarse con la trama de una manera impactante, gracias a la identificacion con los personajes, cada broma, que pareciera inecesaria para la trama principal hace que cada vez mas y mas el publico acepte la pelicula como una expriencia propia, un fenomeno muy similar a lo que ocurria hace ya mucho tiempo con el cine de Charles Chaplin, la emociones son universales, la curiosidad tambien lo es, solo hay que saber por donde inyectarlos, el cine de Bong Joon-Ho mantiene esta pauta: hazlos reir, dales lo que quieren, muestra de donde vienes y que problemas te aquejan a diario.

Esperamos que Bong Joon-Ho no deje de usar este metodo, que no solo funciona, sino que tiene infinitas posibilidades e historias que contar.

5 obstrucciones

Si algo me gusta de la primera pelicula de Lars Von Trier que veo, es el hecho de que uno llegue a comprender, casi racionalmente, algo tan complejo como un ser humano, mediante un proceso fracasado, mediante un film que no cumple los objetivos con los que inicio, pero que en el camino se transforma en la resolucion complicada a preguntas que palpan su superficialidad sabiendo que las respuestas que buscan son dueñas de una profundidad y oscuridad tan aterradora, que nos mantenemos en la seguridad de solo plantearlas.

Tenemos en una mano el film de Jorgen Leth que inicia todo, llamado "El humano perfecto" , la idea es incialmente llegar del "perfecto" al "humano". En su film Jorgen Leth aisla a su humano, lo mueve, lo hace caer, lo hace soñar, lo hace hacer el amor, describe su fisionomia y su quehacer contidiano y qué mas podria mostrarse cuando se lo examina como lo haria un cientifico completamente ignorante, Jorgen pregunta, se maravilla y se queda en la admiracion, pero hay algo mas detras de eso, detras de eso esta el ser humano, que no tiene narracion, ni siquiera la descriptiva que le da Leth, que simplemente existe, lo asombroso de este film es que ni Von Trier ni Leth saben esto cuando inican el proyecto.

Asi Von Trier quiere desenmascarar a Leth, quiere vulnerarlo, no hacerle entender su cine, sino hacerle entenderse a si mismo como el quiso entender a su "humano perfecto", Leth quiere jugar a reinventar su visión, jugar a ver todos los posibles caminos, las posibles versiones del "humano perfecto", se deja manipular, se vuelve el humano que antes tenia en sus manos, deja q Von Trier lo aisle, lo haga moverse, lo haga soñar, prescenciar el proceso solitario de hacer el amor, lo deja inmiscuirse en su vida y en su quehacer cotidiano, lo deja hacerle filmar muchas veces el mismo corto "El humano perfecto" y Von Trier deja fluir a su marioneta, a su "humano perfecto", pero no sabe que hacer para llegar a conocerlo, se desespera y reniega por sus reglas creyendo que a travez de ellas llegará a conocerlo.

Es increible para mi observar a estos dos tontos manoteandose tan equivocados y sentir empatia por su humanidad y su busqueda y es justo cuando surge una de las ideas mas geniales, cuando Leth queda mas expuesto, Von Trier libera a su humano perfecto, se da cuenta de sus errores, de como no puede controlar la mente de Leth con sus reglas y lo corrige muy bien, olvida por un segundo todas las obstrucciones y crea la mas grande: "no hay obstrucciones", que es en escencia la miseria de la realidad, la posibilidad de hacer todo, de tener que elegir, de estar tan solos en nuestras desciciones, la obstruccion mas monstruosa.

Asi Leth fracasa, no crea un corto mejor a su film original, pero logra redefinir a "su" "humano perfecto",tambien Von Trier fracasa, no vulnera a Leth, no lograr sacarle una lagrima por la humanidad, pero lograr aprender algo no solo sobre Leth, no solo sobre si mismo, sino sobre "el humano perfecto", que estuvo allí todo el tiempo como algo que es imposible describir, que fascina y a la vez es impenetrable.

5 Obstrucciones no tiene absolutamente nada que ver con el cine, nada que ver con el proceso creativo, nada que ver con hacer un remake, el cine es solo un truco, una distraccion, una ventana incomoda que deforma todo, una ventana dolorosamente necesaria, 5 Obstrucciones es en realidad la busqueda de la realidad del "humano perfecto".

Casino Royale

Decir James Bond, suena casi irrisorio, porque ya con mas de 20 peliculas y decadas de ver al espia britanico decir una y otra vez "My name is Bond...", toda la franquicia llevaba consigo un olor a parodia de si misma, que no tenia cabida en los tiempos donde el publico va masivamente a ver mas y mas heroes solitarios, asesinos y explosiones al cine, pero que ya no cree en invulnerabilidades, en tiempos donde todo parece cuestionarse y ser mas fragil.

Asi llega Casino Royale, la sacudida de cabeza mas inteligente que he visto hacer sobre una franquicia, todo un proceso minuscioso de grandes notas para traer a la vida a un nuevo James Bond, en todos los sentidos, partiendo de los creditos iniciales que nos traen a Chris Cornell cantando "You know my name", donde claramente podemos sentir el sabor de una pelicula mas reflexiva que todas las anteriores de la saga Bond.

La cancion nos grita: "tu no eres nada divino", "sobreponte tu solo, porque nadie esta tratando de salvarte", "la sangre mas fria corre por mis venas, tu sabes cual es mi nombre", asi es, ya sabiamos el nombre, esta pelicula nos trae mas a un ser humano comun, definitivamente no es gratuito que se desmitifiquen las chicas Bond, los villanos y la cualidad de Bond de permancer indiferente al dolor. Sin embargo las explosiones y las persecuciones habituales no son eliminadas, pero no cansan y son un aire de relajo para los niveles mas tensos donde Bond debe cargar con su alma.

Lo interesante de Casino Royale es tambien su increible guión, tan fresco que hace parecer real la caceria hacia Le Chiffre, como un juego de cartas donde cada una lleva replantar la estrategia, donde la reina de corazones llega a mitad del juego para dar esperanzas de redención y la ultima carta acaba por llevarse el alma de Bond.

Altamente recomendable, aun para los que se quejaron de la falta elegancia del nuevo Bond, toda Casino Royale es un elegante juego mental, donde puedes irte desde el principio ó elevar la apuesta hasta el final.

Paranoid Park

Se dice que Paranoid Park no esta hecha para adolescentes, claro lo dicen criticos adultos, que podria decir, no comprenden los sentimientos de soledad e inseguridad propios de la edad, mas aun de los chicos de estos tiempos modernos, de estres y desconexión, de la misma forma en Paranoid Park los adultos parece distantes, casi inexistentes, solo se muestran cuando de verdad tocan al protagonista como en el caso del detective Lu o el padre de Alex.

Paranoid es casi una epítome del cine moderno, lo tiene casi todo, el ritmo lento y acelerado, la musica desconectada, el tiempo alterado como un rompecabezas y a Christopher Doyle de director de fotografía, increiblemente las mismas formulas que se usan para narrar las historias modernas sobre sentimientos adultos, funcionan para los adolescentes, la incompresion, la necesidad de una salvacion.

El cine moderno prefiere desligarse del guión para usar la imagen y los rostros como espejos de nuestras propias emociones, como cuando todo parece ser ajeno, lejano, como en un sueño, los skates se ratelerizan, los movimientos son suaves, los chicos despejan la mente con solo mirar hacia otro lado, a fin de cuentas en esos casos no hay mucho que decir, es un grito silencioso.

Asi mismo soluciona Alex el asesinato del guardia de seguridad, como soluciona sus problemas familiares, el dolor es tan grande, que sin poder soportalo solo lo expulsa fuera de si, toma distancia de él y luego lo olvida para dejarlo pasar como si nunca hubiese ocurrido.

Happy Together

1997: Wong Kar Wai gana el premio a mejor director en el festival de cine de Cannes por Happy Together.

Comienzo a escribir queriendo saber a que se debe el triunfo de Kar Wai en esta categoria y talvez mi respuesta podria encontrar el inico de su camino en el bagaje cultural e historico del director, que desemboca en un film por momentos anti-existencialista, finalmente existencialista, poetico, visual y lleno de la escencia de Hong Kong.

Podria decirse que hacemos nuestras vidas al vivirlas y que la libertad que tenemos es infinita, pero la realidad es que gran parte de lo que somos viene condicionado por pequeños detalles que nos "escalvizan", como son las personas con las que nos relacionamos , el lugar donde crecemos , la econonomia que tenemos , el amor que recibimos, la cultura que aceptamos, todo va dando forma a una especie de personalidad colectiva, que etiqueta el como actuamos, las cosas que añoramos, ciudades, lugares donde nos reconocemos al espejo y reconocemos a nuestros vecinos. Happy together es tambien la historia de estar lejos de todo eso, es tambien la historia del exilio y la soledad.

Los dos personajes se aman, se odian y estan lejos el uno del otro, asi como un pedazo de la cotidianidad se rompe, asi se rompe lo que mas aman y es la carencia de la seguridad lo que genera su sufrimiento, no solo estan aislados en una ciudad ajena a la suya, no solo estan aislados de la sociedad por su nacionalidad, por su sexualidad, tambien estan aislados el uno del otro.

¿Cómo genera Kar Wai tal sentimiento en la pantalla?, pues se vale de todo, sugestiona a sus actores teniendolos meses lejos de hong kong, sin tener una idea de lo que quiere que la pelicula sea, filmando una y otra vez historias que se encuentran, que se marchan, muertes y resurrecciones, exactamente como son las relaciones de ambos personajes, un caotico desenfreno, un correr a ningun lado, solo por el hecho de estar juntos, sabiendo que hay algo que finalmente estara bien, que hay una salvación, representada por las cataratas de Iguazu, que es el motivo de todo el viaje, finalmente estar alli, felices, juntos.

Finalmente esas mismas cataratas se covierten en otra cosa, luego de tanto sufrimiento y decepcion, es la puerta de purificacion hacia una nueva vida, del nuevo comienzo que para el personaje de Tony Leung, que empieza al econtrar la via de salida hacia la objetividad sobre su sufrimiento, en el personaje de Chang Chen, el joven con el que desarrolla una amistad de comprensión y que le ayuda a abandonar a Ho Po-Wing y regresar a Hong Kong, sin culpas y reconciliandose consigo mismo.

Lo interesante del arte, con respecto a todo lo demas, es la cualidad de, al ser subjetivo, encapsular y preservar emociones para que alguien mas las experimente y las haga propias, este arte en el cine es un proceso humano de lo mas dificil y casi siempre se recurre a la objetividad del discurso, claro, una imagen dice mas que mil palabras, pero no siempre trasmite tanto, el balance armonioso imagen-sonido-mensaje es para suerte y genialidad de Wong Kar Wai la mayor cualidad de Happy Together.

Zatoichi

En el oficio de realizar film de accion muchas son las reglas a seguir, en cuanto a evolucion de la historia y tratamiento de los personajes y es en ese aspecto que el cine oriental ha desarrollado a lo largo de su historia, canones y formulas a las que cada director ha agregado su propia vision, como en el caso del cine épico chino ó wuxia-pan y en este caso el cine epico japones ó chambara y sinembargo el poder hacer cine por el simple hecho de imitar formulas comercialmente funcionales parece ser algo que muy pocas veces a perturbado a los asiaticos y especialmente a los japoneses, debido a que poseen una amplia vision del "director como autor", como ocurre en el caso del director japones Takeshi Kitano, conocido por su tematica de la violencia, humor, amor, redencion y salvacion, pero tambien por su inovacion tecnica y vision cinematografica y que personifica la fuerza del director y como debe imponerse como artifice del proceso de crear una pelicula, de lo cual podemos encontrar muchos ejemplos en su filmografia, desde su debut en Violent Cop hasta su más reciente gran exito, Zaotichi.

En este film asistimos de la mano de Takeshi Kitano a una clara ejemplificación de la conocida frase de Rafael Azcona: "El cine de ahora no proviene de la vida, proviene del cine" y es asi Kitano decide entonces rescatar a Zatoichi, un personaje de la imaginaria nipona, para inyectarlo con sus propios métodos y manías cinematográficas, dandole un brío distinto y un estilo nuevo y fresco, al mismo tiempo que preserva las multiples visiones y lenguajes de género que forman parte de los canones antes mencionados. Kitano se deleita a si mismo, creando un film de samurais emulador del gran cine japones de los 60, pero con la vision del cine de yakuzas que tanto ama, en una linea sucesora de "el cine por el cine" que emparenta au Zatoichi con los wensters de Leone, las chambaras de Kurosawa, los yakuza films de Kinji Fukasaku y las fanservice de violencia y sangre a litros de Kenji Misumi y Toshiya Fujita y aun asi un seguidor de la trayectoria de Kitano podra ver Zatoichi y decir: este es un film de Takeshi Kitano y no solo un collage de generos.

¿Cabria preguntarnos a que se debe esta afirmacion?, solo un verdadero seguidor de Kitano podria notar los multiples detalles que convierten Zatoichi en un film mas alla de la comercializacion y a la vez conservan la emoción de hacer cine en estado puro, pero el espectador avezado podra notar como Kitano malabarea los efectos tecnicos de un film de esta clase y su propio estilo crudo y imprevisible, mezclando esta vez su slapstick mas descabellado y el humor ya caracteristico de su cine, con la gran trabajo de direccion refelejado en actuaciones sobresalientes, tomas dinamicas y el ritmo unico que solo Kitano podia imponer en Zatoichi.

¿De donde nace entonces esta version metamorfeada de Zatoichi?, este film engloba en cierta forma uno de los preceptos que se buscan estudiar en este ciclo de cine asiatico que estamos organizando, y es que Kitano comprende que el devenir de los tiempos cambia el modo en que los generos son asimilados por el publico, un reflejo de los tiempos actuales establezara un mayor impacto en la audencia, los personajes se transforman como influenciados por un entorno fuera de la pantalla, asi como en los 20 el desenfado y despreocupacion de los ronins de Shozo Makino es cambiado por la guerra en los 30 y 40 por los samurais sin mancha, paladines de la bravura y honor japones muy necesaria como propaganda politica pro belica, para dar paso a la época dorada del 50 donde los samurais de las postguerra de Kurosawa, reflexionan sobre tematicas como ¿quien posee la verdad?, ¿a que nos lleva realmente defender algun ideal?, para luego volverse a partir de los 60 en otra expresion mas del arte pop con films como el mismisimo Zatoichi y continuar asi hasta el 70 donde las violencia se hiperbolizo a extremos artisticos en Lady Snowblood y Lone Wolf and Cub que son el estilo que ha llegado hasta nuestros dias, hasta que Takeshi Kitano lo renueva hacia nuestra realidad inyectando su moderna vision de la violencia, lo que hace a este film no solo el mas accesible de su filmografia, sino uno de los mas representativos en cuanto a realizar films que reflejen nuestros tiempos, aun asi estos se basen en generos tan tradicionales como un film de samurais.

Citizen Dog

La tendencia a unir el realismo magico con una historia de amor y fantasia parecer ir de mano en mano de los directores mas poeticos partiendo desde Wong Kar Wai y su Chungking Express, pasando por Jean-Pierre Jeunet y llegando esta vez a las manos del tailandes Wisit Sasanatieng y su Citizen Dog, pero envolver a estos tres directores bajo un mismo titulo no sería lo correcto, basandonos solo en el hecho comun de sus aparentes tramas.

Si analizamos lo distintas que son sus peliculas, podremos notar que las diferencias las convierten en entes tan distantes que insistir en su similitud solo nos cegará ante la verdadera escencia que cada director impuso en su film. En Citizen Dog la historia de busqueda de la felicidad basada en el amor tiene como transfondo de critica social de las grandes ubres, en este caso Bangok, sus habitantes y sus manias, producto de un modo de vida rapido y sin direccion, cuya unica salvacion se encontra en el amor que todos necesitamos, por eso, ya desde primera escena Sasanatieng nos muestra como la historia que estamos a punto de ver es el camino de la salvacion de toda una ciudad y no solo el amor aislado de una pareja de amantes, con su conmovedora escena de apertura Citizen Dog nos abre el telon de toda una gamma de metaforas y personajes representativos de cada mal que aqueja a la sociedad actual.

El conformismo, la soledad, la incomunicacion, la industralizacion, el fanatismo, la inseguridad y la busqueda de la felicidad basada en una farsa, se nos muestran en las figuras que abren y cierran los capitulos de Citizen Dog, emarcados en una estetica cautivante y bajo una gran direccion que no hace mas que confirmar el gran talento de Wisit Sasanatieng, como artifice en la creacion de realidades emotivas de gran imaginación.

Finalmente Wisit Sasanatieng nos deja, y sus personajes nos quedan dando vueltas, el discurso es claro, pero el director ha fallado en aplicarlo, todo resulta tan obvio que la forma del film se desfigura y tiene uno la sensacion de que nunca hubo un detonante de reflexion inconsciente, mucha mas poderosa que un discurso, creo yo, y que solo nos queda la opccion de poner en palabras las imagenes de Sasanatieng.

Citizen Dog, en mi opinion personal, no alcanza el gran sentido artistico, ni la trascendencia de otras producciones Tailandesas, pero ¿quien soy yo para privarlos de este cine?, solo la experimentacion personal del film tiene la ultima palabra.

Chungking Express

¿Qué no se ha dicho ya de Chungking Express?, la mitica pelicula que abrio las puertas del occidente a su director, una de las mas frescas de su filmogafria y en la que un joven Wong Kar Wai decidio rodar una rapida rock and roll movie mezclada con el cine policial clasico de Hong Kong de directores como John Woo, una marcada influencia del cine frances de los 60 y los atisbos de lo que luego seria su marca de autoria: la tematica del amor y el olvido.

Como una cumbre de un primer periodo en su cine, Chungking Express se revela como una refrescante pausa en la carrera de Wong kar wai, en el que se puede observar el claro ejemplo de como llevar a cabo ideas de autoria cinefila combinadas con tematica de género. En Chungking Express se parte de estructuras simples como el cine hongkones de gansters y los films de romance para fundirlos con personajes que se contraponen en las dos mitades en las que, Wong kar wai considera, se dividen los amantes.

Como si de una novela moderna de Cervantes se tratara, se nos presentan dos tipos de amantes: un impulsor de pasion y desdicha siempre mirando hacia el futuro sin preocuparse mucho por el presente o el pasado y un soñador esperanzado en mirar hacia el ayer, siempre entre el limite de dejarlo ir o quedarse para siempre en el, lo cual se repite en ocasiones en la filmografia de Wong kar wai, en cintas como Happy Together ó 2046, tomando matices mas dramaticos que los presentados en la aparentemente liviana Chungking Express.

Para inyectarle dinamismo y belleza a su obra Wong kar wai recurre a otro elemento, aparte de la excelente fotografía a cargo de Christopher Doyle, al crear un ritmo narrativo con el que divide la obra en dos: una primera parte de ritmo acelerado, muy propio para su tematica, y una segunda mas lenta, pero igualmente cautivante que su predecesora, como si de un juego se tratara en el las reglas siempre son el amor, pero cuyos jugadores y elementos cambian, las dos narraciones contrastan y sinembargo no se pierde la continuidad, debido a la gran capacidad del director de ocultar en dos partes lo que basicamente es un solo punto de vista.

Sobre un ciclo de cine asiatico

Conforme nos acercamos a la realizacion de nuestro ciclo de cine asiatico, me gustaria compartir con ustedes una serie de articulos en referencia al tema, que nos ayudaran a encontrar mas lucidez frente al fenomeno al cual dedicamos este ciclo, no solo para maravillarnos de el, sino para estudiarlo y aplicarlo a nuestra realidad.

Disfrute mucho de este articulo de Roberto Alcover Oti, en su analisis sobre la presencia de mas y mas cine asiatico en diversos festivales de cine en el mundo, en ese caso en particular, el BAFF.


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¿Hacia dónde va el cine asiático? Convertido en una moda como otra cualquiera, es dificil ubicarse con respecto a él, difícil ser un Festival consagrado al mismo, difícil incluso hablar de él sin caer en innumerables trampas, en las que son tan peligrosos los amigos como los enemigos... Bien, Roberto Alcover Oti, a través de su crónica de éste Festival reflexiona sobre ello y nos acerca al último cine asiático de autor.


En "Los tiempos hipermodernos", el sociólogo Gilles Lipovetsky perpetúa en clave aún más desoladora las tesis que ha esgrimido a lo largo de toda su carrera, desarrollando una serie de estiletes ideológicos que ahondan de nuevo en la noción (siempre tan peligrosa) del posmodernisno, Así, "Los tiempos hipermodernos" deben entenderse como un anexo, más radical si cabe, a lo expuesto en otros escritos tan básicos como "El crepúsculo del deber", "La era del vacío", o "El lujo eterno", una ruda deconstrucción de los cimientos sobre los que se sustentan las sociedades occidentales modernas, desgranando los débiles principios morales que rigen nuestro placentero modo de vida. Sus rotundos axiomas sociológicos se revelan muy precisos al ser interpretados bajo el prisma de la nueva cinefilia, que como bien afirmaba Ángel Quintana en su excepcional texto en Dirigido por (nº 345), prefiere poseer antes que ver, o lo que es lo mismo, tener antes que ser; una cinefilia individualista –consumo propio- dentro de su socialismo –intercambio masivo de cultura vía Internet-, y que ha terminado cosificando la cultura, degradándola a la categoría de objeto de coleccionista, reduciendo su placer intelectual al placer material, y engendrando en definitiva, una mascarada social.

Esta farsa recorre los más variados territorios y ataca a todo tipo de manifestaciones culturales, en ocasiones encubierta bajo el manto de corrientes más o menos minoritarias. La moda del cine asiático no es, por tanto, ajena a esta tendencia, y el BAFF ya bordea peligrosamente tal situación, ejemplificada a través unos síntomas que se observan evidentes. Y es que pese a que su creación se debió en gran medida a la voluntad de un grupo de "locos" -100.000 Retinas- por hacernos partícipes de un movimiento que debía ser contemplado, la sombra del acomodo planea peligrosamente sobre las salas que recogen los nuevos frutos orientales. No estamos pues declamando que ya "¡no tenemos la exclusiva del cine asiático!", como se ha apresurado a señalar algún versado en la materia, sino constatando el tenue proceso de ensimismamiento, también fomentado por un público condescendiente que, a la manera de aquello que proclama Lipovetsky en "El imperio de lo efímero", ha hecho suyo el cine asiático como etiqueta social, como objeto de moda. Solo así puede entenderse la indulgencia con que se trata a ciertas producciones, o la elección del Premio del Público para Getting Home (Luo ye gui gen. Zhang Yang, 2007), conservadorísima película que mancilla la enérgica labor de denuncia por parte cineastas como Li Yang, Wang Chao, Lou Ye, Wang Bing, Jia Zhang-ke, o Yang Chao. El "efecto kimono" que acuñó hace ya unos años Antonio Weinrichter sigue vigente y en plena forma.

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lee el texto completo en http://caos.tijeretazos.net/BAFF07/BAFF00701.htm